TDeux pyramides imposantes dominent l’auditorium, qui est disposé en ronde-bosse. La structure supérieure est recouverte de flammes virtuelles et ressemble à un feu de camp symbolique, à la fois à la pointe de la technologie et ancien, autour duquel cette histoire se déroulera. Le décor saisissant de David Adjaye, du sol au plafond, est une merveille et le point culminant de cette pièce.

Une paire d’acteurs l’entoure, hors de caractère, dessinant les termes du drame, et les feux de la pyramide se transforment en hiéroglyphes égyptiens pour marquer le début de l’histoire de Ben Okri. Il est basé sur un poème égyptien vieux de 4 000 ans, Sinuhe, à propos d’un fonctionnaire royal qui fuit la cour égyptienne après avoir entendu des conspirateurs comploter la chute du pharaon et se lancer dans un voyage épique. On pense qu’il a influencé les grands récits de quêtes dans le monde, préfigurant l’Odyssée d’Homère, et sa mise en scène ici sert en quelque sorte de recentrage de l’héritage littéraire de l’Occident.

Tout cela porte la promesse d’un spectacle de réouverture inventif au Young Vic, sous la direction de Kwame Kwei-Armah. Mais la pièce d’Okri ne se matérialise pas en une histoire assez vivante malgré son audace visuelle.

Sinuhe est ici un moi divisé, son corps joué par Joan Iyiola et son âme par Ashley Zhangazha (les rôles sont assignés dans un jeu au début). La pyramide inférieure est dépliée pour créer leur espace dramatique, et les acteurs ramassent des accessoires du bord extérieur de leur cercle afin que la construction de l’histoire soit intégrée au drame – bien que cette méta-théâtralité n’ajoute pas grand-chose.

Le plus gros problème est le scénario d’Okri, qui soulève des idées sur l’identité, l’exil, le leadership et l’aspect libérateur de la réinvention des immigrants, ainsi que le mal du pays spirituel de « l’étranger ». Mais à seulement 70 minutes, l’histoire manque de détails, les personnages (Sinuhe, ainsi que les petits rôles joués par Zhangazha) se sentent trop génériques et sommaires pour permettre aux acteurs d’apporter beaucoup de distinction à leurs rôles et les thèmes sous-explorés. La langue est également lourde, tombant dans une narration de ses idées, et le drame se sent étrangement coincé dans le royaume des mythes, des abstractions et des archétypes.

Pourtant, il y a encore quelque chose de vital là-dedans ; Changing Destiny se situe dans un contraste rafraîchissant avec la surabondance de réveils de bien-être et de classiques réconfortants actuellement mis en scène, qui ressemblent à une retraite dans un territoire sûr et anodin. Cela flamboie avec le risque et la nouveauté – et devrait être félicité pour cela.