jeIl a fallu près d’une décennie pour que Luisa Miller de Verdi soit mis en scène au Royaume-Uni. Lors de sa première à Londres en 1858, le critique en titre Henry Chorley a qualifié la tragédie romantique de « la plus faible des faibles », prédisant qu’elle ne se reverrait plus. Plus de 150 ans plus tard, alors que Luisa Miller profite d’une autre sortie sur la scène principale, la tirade de Chorley ressemble de plus en plus à un avertissement aux critiques (attention aux devinettes) et toujours plus large. Mais il ne faut pas trop se vanter : Luisa Miller reste dans l’ombre des œuvres les plus populaires de Verdi et la nouvelle production de Christof Loy – remarquablement – ​​marque la première fois que l’œuvre est mise en scène à Glyndebourne.

Cela valait la peine d’attendre. La mise en scène de Loy semble incontestablement post-pandémique: espaces caverneux, accessoires minimaux, éclairage austère par Olaf Winter (pensez à 50 nuances de blanc) et combinaisons monochromes – délimitant subtilement les paysans v aristos – pour presque tous. Interprété dans la réduction de Tony Burke par un orchestre philharmonique de Londres allégé dirigé par Enrique Mazzola, l’opéra sonne également différemment – mais ce qui a été perdu en poids symphonique est récompensé par une clarté qui affine les lignes sinueuses de la partition de Verdi et rend ses textures sombres d’autant plus frappant. Mazzola a maintenu un contrôle absolu et incisif de la férocité de l’ouverture aux multiples pianissimos à haleine. Les solos de bois ont émergé tranchants et séduisants; les pizzicatos à cordes sonnaient comme des bruits sourds étouffés, lourds de pressentiments.

Et il y a beaucoup de pressentiments à faire, alors que nous nous précipitons vers la double fatalité de la scène finale. L’excellent chœur de Glyndebourne était hors scène tout au long, magnifiquement mélangé et offrant une injection périodique d’un mode musical plus joyeux. Sur scène, cependant, l’obscurité des voix masculines domine : Vladislav Sulimsky était un Miller riche et chaleureux, le bon père du stentorien Bad Dad d’Evgeny Stavinsky (alias le comte Walter, l’un des multiples méchants de l’intrigue). Wurm de Krzysztof Bączyk était un méchant presque caricatural – les yeux grands ouverts, des enjambées absurdement longues autour de la scène vide – mais le Rodolfo romantiquement condamné de Charles Castronovo était une présence dramatique plus convaincante et avait un héroïsme ténorial brillant à brûler. Comme sa bien-aimée Luisa, condamnée de la même manière, Mané Galoyan a été une révélation, son audace dans les passages les plus calmes à couper le souffle, sa colorature facile fournissant un éclairage exquis dans la tristesse de l’opéra.