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Wvec des budgets serrés, les musées britanniques comptent de plus en plus sur le mécénat privé, pour le soutien financier et le don d’œuvres d’art. Pourtant, alors que le premier a fait l’objet d’un examen minutieux ces dernières années, les seconds ont reçu peu d’attention.
Tate fait maintenant face à une action en justice potentielle de la part d’un donateur, Barry Joule, pour son affirmation contestée selon laquelle la galerie britannique n’a pas honoré les conditions dans lesquelles il a fait don de 1 200 croquis, photographies et documents de l’atelier de son défunt ami, l’artiste Francis Bacon.
En vertu de l’accord de 2004, Joule dit que la Tate a accepté d’organiser une exposition du matériel, une stipulation assez courante lorsque les donateurs remettent des parties de leur collection. Souvent soucieux de défendre l’artiste dont ils ont fait don, les grands salons apportent inévitablement aussi un cachet social aux donateurs et augmentent potentiellement la valeur de l’œuvre qu’ils possèdent encore.
Tate a déclaré à propos du don Joule qu’il «a été catalogué et mis à la disposition du public, comme pour tout le matériel des archives de Tate. Des éléments de ces archives ont également été exposés dans une exposition à la Tate Britain en 2019. La Tate a proposé une rencontre avec Barry Joule en septembre.
Entre 2019 et 2020, les chiffres révèlent que Tate a reçu un don d’art d’une valeur totale de 13,2 millions de livres sterling par des mécènes privés. Au cours de la même période, la National Gallery a reçu des peintures d’une valeur de 12 millions de livres sterling et la National Portrait Gallery a accepté des œuvres d’art d’une valeur de 1,6 million de livres sterling.
Arts Council England gère un programme dans lequel les riches peuvent faire don d’art avec un pourcentage de la valeur déduit de l’impôt. L’année dernière, le gouvernement a annulé 40 millions de livres sterling de recettes publiques, recevant des œuvres d’art pour une valeur totale de 65 millions de livres sterling. Le Conseil des arts dit que chaque œuvre est contrôlée pour garantir son importance et sa qualité avant d’être placée dans un musée. En 2020, l’Ashmolean d’Oxford a reçu des peintures de Frank Auerbach et un dessin de RB Kitaj. La Scottish National Gallery of Modern Art a pris une sculpture minimaliste du sculpteur américain Fred Sandback.
Jack Kirkland est un collectionneur qui siège au comité des acquisitions de la Tate pour la photographie. Il a utilisé le programme du Conseil des arts pour faire don de la collection familiale de photographies contemporaines au musée. « Cela en a fait un processus transparent et a impliqué plusieurs tiers vérifiant la valeur, l’importance et l’état des travaux afin qu’il n’y ait aucun sentiment d’irrégularité de ma part ou de celle de Tate », dit-il. « Cela faisait partie de l’effort collectif des conservateurs et des mécènes de la Tate pour vraiment créer une collection de photographies à la Tate. »
Pourtant, sur les près de 500 nouvelles acquisitions réalisées l’année dernière par la Tate, 223 étaient organisées en privé et n’impliquaient pas le programme du Conseil des arts. Une pratique courante consiste pour les galeries d’art commerciales à insister sur le fait que si un collectionneur veut acheter les meilleures œuvres des artistes les plus en vue, il doit également en acheter une seconde pour un musée. En plaçant l’œuvre dans une institution, cela augmente le prestige de l’artiste et la galerie est en mesure d’augmenter le prix des ventes futures.
Les critiques disent que cela peut laisser les musées redevables au marché de l’art. « Si le musée ne prend pas l’œuvre d’art lorsqu’elle est offerte, il risque de perdre le financement vital et le soutien d’un mécène », a déclaré un ancien vendeur des plus grandes galeries d’art de Londres. « Ce n’est pas ainsi que fonctionne tout le système, mais les musées risquent d’être dictés par des opportunistes. Et cela se produira davantage à mesure que le financement des arts diminuera. Le vendeur, qui a généré des millions de livres de ventes au cours de sa carrière, a décrit la pratique comme « BOGO » : achetez-en un, offrez-en un.
« [This] a tendance à se produire lorsqu’un artiste dont l’inventaire est limité arrive sur le marché en forte demande. Si un collectionneur achète une œuvre d’art pour la donner à un musée, à son tour, le collectionneur est beaucoup plus susceptible de pouvoir acquérir une œuvre d’art pour sa collection privée. Le croupier dit que d’après son expérience, rien n’est jamais mis par écrit. « Ils feront allusion au musée qu’ils ont en tête. Le calibre de l’institution affectera si la galerie commerciale décide de les pousser sur la liste d’attente pour une œuvre d’art. Faire un don à la Tate aura plus d’influence que, disons, un musée régional. »
Un porte-parole de la Tate a déclaré que « bien que la Tate ne soit pas partie aux discussions entre les galeries commerciales et les collectionneurs privés… [we do not] accepter simplement des œuvres d’art offertes par des collectionneurs privés pour le don. Toutes les œuvres que Tate apporte à la collection nationale sont soigneusement sélectionnées par nos conservateurs sur la base de leurs propres recherches, conformément à notre stratégie de collection plus large, et soumises à un processus rigoureux d’examen et d’approbation par nos directeurs et fiduciaires. La National Portrait Gallery et la National Gallery ont déclaré que ces institutions, elles non plus, n’avaient jamais sciemment bénéficié d’un accord de ce genre.
Alain Servais, qui possède une collection particulièrement axée sur les artistes émergents, dit qu’au cours des 20 années où il achète de l’art, il a été sollicité à plusieurs reprises pour faire don d’une deuxième œuvre lors de la négociation d’un achat. « Chaque fois que je reçois ce genre de proposition d’une galerie, je la jette. Si je manque cette œuvre, très bien, il y a d’autres œuvres d’art à acheter. Je ne l’aime pas moralement car cela met l’agenda des marchands commerciaux au premier plan et cela met les musées, qui reçoivent tant de ce genre d’offres, sous pression.
S’ils acceptent les stipulations, les établissements peuvent restreindre leur capacité à programmer librement ou à réagir aux tendances changeantes. Ces dernières années, la Tate, comme les musées du monde entier, a subi des pressions pour diversifier sa programmation et ses collections. Bien que la directrice de la Tate, Maria Balshaw, ait rassuré Joule sur le fait que son cadeau était toujours « très apprécié », il est probable que la figure déjà très vénérée de Bacon semble avoir eu suffisamment d’exposition, tandis que les artistes féminines et les artistes de couleur de la même génération n’ont pas reçu leur dû.
Le Conseil international des musées a récemment proposé de redéfinir les musées d’institutions qui « acquièrent » de l’art et des artefacts à des organismes « participatifs et transparents » «en partenariat actif avec et pour diverses communautés». Servais dit qu’il soutient le mouvement. « Les musées ont reçu de moins en moins de soutien du public au cours des 20 dernières années, tandis que le 1% a vu sa richesse se consolider – les musées ne sont tout simplement pas en mesure de collecter et de partager des connaissances. Ils doivent faire le choix de ce qui est le plus important. C’est assez clair à mon avis, s’ils se concentraient sur l’éducation et se contentaient d’emprunter des œuvres d’art, ils pourraient plus sûrement conserver leur indépendance. Le public ne se soucie pas de savoir à qui appartient l’œuvre lorsqu’il la voit dans une émission.
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