UNEnne Bean revisite son passé. Le 21 août, l’artiste pionnier de la performance participe à un « événement en direct de durée » de 10 heures dans le cadre de PSX : une décennie d’art de la performance au Royaume-Uni. Non seulement cela l’obligeait à revenir sur cinq décennies de pratique – son travail passé, me dit-elle, est « intimement lié » à son présent – ​​mais il se déroule à Bermondsey’s Ugly Duck, à deux pas du studio Butler’s Wharf à Londres dans laquelle elle a travaillé du milieu des années 70 au milieu des années 80.

De nombreux artistes à l’époque, dont Derek Jarman et Andrew Logan, squattaient dans des entrepôts là-bas, et à son époque, Bean a travaillé avec tout le monde, des clowns burlesques Kipper Kids à des artistes tels que Paul McCarthy et Rose English, en passant par le partage de factures avec Psychic. TV, Genesis P-Orridge et Cosey Fanni Tutti. Elle a même ouvert pour Roxy Music dans le cadre du groupe pseudo-pop Moody and the Menstruators, un groupe de reprises avant-gardiste qu’elle a fondé en 1971. Bean a souvent utilisé le son dans son travail et aime la musique – son père était un musicien classique et de jazz. – mais Moody n’a jamais été censé être un vrai groupe, plutôt « une exploration subversive des frontières entre l’art et la musique ».

« Moody and the Menstruators était juste quelque chose qui a commencé lors d’une fête du département d’art [at the University of Reading in 1971, where she studied] », dit Bean, mais la machine de marketing musical s’est mise en marche et tout est devenu un peu incontrôlable. « Nous avons eu une énorme attention médiatique. Puis Malcolm McLaren a dit qu’il voulait nous diriger et nous mettre dans une Cadillac rose décapotable. Elle n’était pas enthousiaste et le lui a dit. « Je ne me souviens pas exactement de ce que j’ai dit, mais quelque chose comme » Nous sommes ingérables « … être gérable serait exactement en contradiction avec l’esprit du groupe. »

« En fin de compte, ce n’était tout simplement pas intéressant pour moi, ou pas aussi intéressant que d’autres travaux que je pouvais faire. Moody and the Menstruators était censé être contre tout ça.

Ce dernier travail, dit Bean, sera basé sur l’idée de miroirs. « En 1970, pour une performance de longue durée, j’ai installé un miroir et quiconque franchissait la porte pouvait immédiatement me voir en reflet et de même je pouvais les voir. Nous ne communiquions que par nos réflexions. Il est fondé sur le concept d’hétérotopie de Foucault, le miroir étant, selon Bean, un « lieu sans lieu » : « à la fois réel, en relation avec l’espace réel qui l’entoure, et irréel, créant une image virtuelle ».

Cette fois, il y aura 10 miroirs, créant des rencontres entre Bean et le public. « Il y a une intimité avec la personne qui vient, mais pas directement. Cela donne un sentiment accru de connexion », dit-elle. Je lui demande si les perceptions de l’art de la performance ont changé au fil des ans et si elle devait en tenir compte lors de la sélection de son travail pour une nouvelle génération. «Quand vous regardez l’histoire de la performance, ces 50 années ont été si fertiles», dit-elle. « Dans les années 60 et 70, c’était très précurseur. Une fois que l’art vivant a finalement été accepté par les grandes institutions orthodoxes, les gens l’ont mieux accepté. » C’est à certains égards moins révolutionnaire en 2021, mais, dit Bean, a toujours quelque chose à offrir. « L’art est toujours ce sens d’aiguiser ses antennes. »

Avec toutes les distractions offertes par Internet, les gens ont-ils la concentration pour une performance de 10 heures ? « On peut toujours aller dans cet autre espace », dit-elle. « Il y a un vrai sens de la méditation et de la connexion. Peut-être que les gens pensent que ce n’est pas pertinent, mais un travail de 10 heures sera quelque chose qui peut être fertile pour l’imagination des gens. Elle a été témoin du pouvoir communautaire de l’art pendant le verrouillage, étant catégorique sur le fait que Come Hell or High Water, une action collective d’un an qui a commencé au solstice d’hiver de 2019, se poursuivrait tout au long de la pandémie, avec la collaboration de plus de 80 artistes. Elle a eu lieu sur l’estran de Limehouse près de l’endroit où habite Bean, un espace liminal qui n’est accessible qu’à marée basse. « J’étais déterminée à garder une présence en direct malgré tout », dit-elle.

« L’une des choses que j’ai faites a été de construire une sorte d’énorme harpe éolienne étendue sur l’estran, ce qui était presque comme si le vent parlait. La communauté l’a vraiment adopté et les nouvelles se sont propagées par le bouche à oreille. Les agents de sécurité locaux m’ont dit qu’ils trouvaient cela très émouvant. Les habitants ont dit que c’était l’une des rares choses qui les a maintenus enfermés. »

Bean ne fait aucune promotion sur les réseaux sociaux – Come Hell or High Water était uniquement sur invitation par courrier électronique, ou les gens l’ont rencontré par hasard – et n’a pas l’intention de commencer. « Les réseaux sociaux semblent si tribaux, si écrasants. C’est un espace très divisé. Mais la pandémie l’a amenée à voir des points positifs dans la communication en ligne. Elle devait retourner en Zambie, sa ville natale, début 2020, mais a fini par participer à un énorme appel public Zoom avec des membres de la communauté des artistes là-bas. « Il y avait ce vrai sentiment d’amitié, de chaleur et d’intimité qui est né. » Cependant, il n’est pas prévu de rejoindre Twitter. « Je préfère toujours utiliser Internet pour me connecter à des personnes individuelles. »

La collaboration avec d’autres artistes fait partie intégrante de l’éthique de Bean, ce qui explique peut-être pourquoi elle n’a pas occupé le devant de la scène internationale de la même manière que les superstars de l’art de la performance Yoko Ono ou Marina Abramović. « La collaboration vous montre des parties de vous-même dont vous ignoriez l’existence. Cela peut révéler un espace puissant que vous n’aviez tout simplement pas reconnu », dit-elle. Elle ne semble pas intéressée par la célébrité, mais est une admiratrice d’Ono. « Les gens ont dit qu’elle avait ruiné les Beatles, mais je pense que les Beatles l’ont ruinée à bien des égards. »

Elle élabore. « Yoko avait cette pratique artistique vraiment expansive [that was] repousser ces limites extraordinaires non circonscrites (avant les Beatles). Je pense qu’avoir à gérer tout l’édifice de ce genre de célébrité semblait relativement ordinaire, avec toute la toxicité et la censure implicites. »

L’autre raison du statut de Bean sous le radar pourrait être que son travail peut être difficile à catégoriser, bien qu’il soit d’autant plus efficace pour cela. En 2012, elle a fait un sac et a quitté Londres. Après une période d’errance, elle a vécu un an et demi à Newark-on-Trent sous le nom de Chana Dubinski (son nom d’Europe de l’Est/juif).

C’était peut-être le plus près qu’elle soit parvenue à brouiller les frontières entre l’art et la vie. « C’était presque trop réussi », dit Bean. « Je me suis fait des amis proches. J’habitais une partie très différente de moi-même, je vivais un style de vie différent. Cela a suscité en elle des émotions profondes et certaines des personnes qu’elle a rencontrées se sont senties trahies. « Presque 10 ans plus tard et ce n’est pas aussi intense. Mais ça m’a longtemps hanté. Cela a soulevé de profondes questions sur qui l’on est, sur l’arbitraire du début de sa vie.

Considérant que nous revenons sur la carrière de Bean, je lui demande ce qu’elle pense de son interprétation en tant qu’artiste féministe, une étiquette à laquelle elle a résisté à une époque où le mouvement était florissant. « Je n’ai pas ressenti ça. Je ne sais pas si je n’étais pas simplement insensible », dit-elle d’un air pensif. «Mais je sentais juste que je pouvais continuer à faire mon travail. Il y avait beaucoup de femmes qui travaillaient dans cet espace, et les Guerilla Girls, par exemple, étaient incroyables. Je viens de trouver le terme limitant. Nous avons quand même fait des bénéfices avec Spare Rib, mais nous avons aussi fait [London live music venue] Dingwalls.

Cela fait partie intégrante de l’attitude anti-establishment qu’elle a maintenue tout au long de sa carrière. « Je pense aussi que c’est parce que j’ai passé un an en Afrique du Sud pendant l’apartheid et que j’étais contre la séparation des êtres humains en catégories, alors j’ai résisté à la séparation des gens en hommes/femmes et tous ces binaires. »

Elle est plus disposée à reconnaître son rôle dans l’histoire féministe ces jours-ci : « J’aimerais penser que j’ai eu une influence de cette façon. » Elle a 70 ans maintenant, et bien que nous ayons passé l’entretien à regarder en arrière, elle n’a pas l’intention d’arrêter de travailler à l’avenir. « J’ai trouvé que c’était une période vraiment étonnante, j’ai l’impression de regarder un vaste plateau, de ressentir un sens de l’histoire dans sa vie. Mes plans sont de continuer, de faire de plus en plus de travaux expérimentaux, de me surprendre, de me choquer, de m’émouvoir.