RLa pièce d’obert Holman contient de grandes richesses. Une histoire de sœurs et de comptes de la quarantaine, elle met deux femmes plus âgées au centre de la scène et s’accompagne d’une trahison sismique de frères et sœurs. The Lodger, c’est aussi l’histoire des bonnes et des mauvaises mères, de la relation des jeunes avec les vieilles et de la façon dont les vieilles nourrissent les jeunes. Réalisé par Geraldine Alexander, il prend des tournants extrêmement inattendus et regorge de déclarations sages sur la vie, l’amour et la mort. Cela ne ressemble pas à une pièce unique et c’est là que réside le problème : trop d’histoires et d’idées se bousculent pour se concentrer.

Cela commence par une réunion hérissée alors que Dolly (Sylvestra Le Touzel) arrive à Londres depuis Harrogate pour rendre visite à sa sœur Esther (Penny Downie), une romancière à succès, après la mort de leur mère. Il y a des révélations, des combats et des pardons, ainsi qu’une histoire parallèle du jeune locataire d’Esther, Jude (Matthew Tennyson), qui a subi des abus maternels et pour qui Esther est en quelque sorte une mère de substitution. Une intrigue secondaire sur le grand-père musicien autrefois célèbre de Jude nous emmène en Norvège où une histoire d’amour se développe entre Jude et Anila (Iniki Mariano), une étudiante en mathématiques qu’il rencontre sur un banc de parc, et qui s’avère être son cousin. Cette romance, peu convaincante à la fois dans son début et sa fin, semble être une distraction de la plus grande intrigue autour des sœurs et de la relation de Jude avec Esther – leur affection reste vague et sous-explorée.

Le Touzel excelle en tant que Dolly, la sœur la plus opiniâtre et insatisfaite qui vient de quitter son mari infidèle de 46 ans, et dont l’audit interne de la quarantaine comprend la tristesse de son absence d’enfant. Esther est la sœur la plus opaque et compliquée et Downie semble moins certaine dans le rôle. Tennyson est brillant par endroits mais semble être un spectateur impassible pour la première partie de la pièce. Une autre intrigue tangentielle fait de lui un dramaturge à succès et cela ne semble pas non plus convaincant.

Les personnages proclament qu’ils sont « vulnérables » ou « en conflit » plutôt que de nous le montrer, et il y a des changements soudains de la colère ou du traumatisme à l’observation quotidienne et à la fantaisie qui semblent discordants dans leur prestation. Ils parlent dans des déclarations plutôt que de se parler vraiment.

La scénographie de Richard Kent est élégante et sereine, évoquant l’effet de l’intérieur et de l’extérieur, de la terre ferme et des galets de plage, les deux à la fois. Sa beauté persistante reflète un script qui est tout aussi lyrique dans certaines parties mais aussi frustrant et maladroit.