jen cet âge expiatoire – l’âge où l’on regarde avec scepticisme les vieilles hypothèses – la comédie musicale américaine fait l’objet d’un examen minutieux. Il est difficile d’imaginer un spectacle repensé plus efficacement que la production de Broadway de Daniel Fish et Jordan Fein Oklahoma!.

Tout autour du décor en bois clair conçu par Laura Jellinek et Grace Laubacher, des fusils sont suspendus au-dessus des têtes des spectateurs, qui se font face de part et d’autre de la scène, comme s’ils étaient prêts pour le hoedown. La réorchestration de Daniel Kluger a dépouillé la luxuriance de la musique, qui est jouée par un groupe à cordes sur scène : country-twang, rugissant dans le rock, faisant un refrain moins comme un cow-boy qu’un cri de guerre, mais capable de se fondre dans l’intimité avec People. Will Say We’re in Love. Étant une production sans déguisement, pendant une grande partie de la soirée, les lumières de la maison sont allumées, mais l’éclairage de Scott Zielinski plonge l’action dans l’obscurité totale pour des rencontres troublantes et transforme l’air en turquoise étrange au moment de la fantaisie. Le jeune couple plein d’espoir Curly et Laurey est vu pour la dernière fois dans des vêtements de mariage, éclaboussés de sang.

Le meurtre qui provoque cette fin a été modifié, rendu encore plus sinistre, mais en général, ce n’est pas un simple changement mais une réaccentuation qui rend cela Oklahoma! se sentir si nouveau, avec des performances centrales finement recalibrées. En tant que Jud, l’ouvrier isolé, Patrick Vaill hante l’action, sur scène tout au long, jetant un regard étranger sur tous les indices de la joie traditionnelle de bruissement de robe, de claquement de chap, de pizzicato-poney-trot. Curly d’Arthur Darvill et Laurey d’Anoushka Lucas sont moins sains que sexy et narquois. Le triomphe est de montrer que la flottabilité n’est pas séparée des aspects les plus sombres mais en dépend.

Il y a de la subtilité chez Liza Sadovy – fraîchement sortie de Cabaret succès – et belle impassible dim-wit de James Davis. Et la gourmandise. La voix glorieuse de Marisha Wallace appelle les admirateurs comme une cloche, transformant I Cain’t Say No d’un spectacle comique en un hymne. De temps en temps, il y a une nuance de conscience de soi, de travailler trop dur pour appuyer sur un point, mais le détail est infaillible. Les épis de maïs valent à eux seuls une thèse : préparés pour un pique-nique, ils sont goulûment déchirés par une femme, soigneusement disséqués par une autre. Oh, et agité comme des phallus.

La reconstruction est le thème du festival de Brighton de cette année, co-organisé par l’architecte syrienne Marwa al-Sabouni et Tristan Sharps, directeur artistique de la société dreamthinkspeak basée à Brighton. Al-Sabouni a créé un lieu de colonnade sur le devant – le Riwaq, un espace pop-up qui oscille entre l’intérieur et l’extérieur. Pendant ce temps Sharps’s Libère-moi tisse dans et hors des bâtiments de la ville, visant à examiner le besoin de reconstruction des vies intérieures et des structures sociales. Si seulement le résultat était aussi dynamique que la réinvention éblouissante de Hamlet par l’entreprise il y a 10 ans.

Libère-moi décolle de chez Dostoïevski Les Possédés, dans lequel un groupe révolutionnaire avec un chef instable fait des ravages dans une ville. Ici, l’intrigue implique une lutte pour le cœur de Brighton. Une figure de chef méchante, la gouvernante, qui dirige la ville pour son profit personnel, est contestée par un groupe déterminé à ce que les décisions soient prises par «le peuple»; mais leur propre chef est-il fiable ?

Les spectateurs, traités comme des recrues potentielles et vulnérables aux influences dangereuses, sont divisés en groupes et partent sur des itinéraires différents avec une même destination. Chacun suit des instructions sur iPad (avec des avertissements sur les infiltrés) et des conseils par des « activistes » qui les conduisent dans les jardins du pavillon, à travers un tunnel souterrain (où une porte verrouillée est étiquetée « magasin de linge sale »), devant des vitrines de musée verrouillées (décrits comme des « artefacts pillés ») et enfin dans le palais de justice pour un règlement de compte entre la gouvernante et les opposants. De temps en temps, vous vous arrêtez pour une conférence : des militants sur les échecs gouvernementaux, ou pour entendre un flic infiltré parler du manque de fiabilité des militants.

Le niveau de menace est faible. Les discours sont guindés. La géographie n’est pas assez surprenante : on a parfois l’impression de faire 10 000 pas théâtraux. Le plus dommageable, c’est que le public, constamment rassemblé et harangué, semble avoir le pouvoir d’interaction et de curiosité aspiré. L’intention est vraisemblablement de soulever des questions sur la conformité et la résistance : quel chemin prendriez-vous ? Pourtant, les alternatives sont posées avec tant d’acharnement et de tendresse qu’elles épuisent la curiosité.

Seule la scène finale scintille avec les illuminations habituelles de dreamthinkspeak. Réunis dans une même salle, les spectateurs visionnent des vidéos d’acteurs/militants livrant des témoignages sur la radicalisation. Derrière eux, des fenêtres donnent sur les rues de Brighton et des civils sans méfiance. Silencieusement, les acteurs apparaissent dans leurs cadres, tels des spectres monochromes qui s’animent. Tout le monde est surveillé.

La première pièce perspicace de Beru Tessema a un centre troublé, des dialogues rebondissants, un design lumineux et réaliste (fenêtres coincées sur un lotissement) de Frankie Bradshaw et une performance saisissante du nouveau diplômé Michael Workeye, qui se traîne sur la scène, remontant son pantalon , déversant son rap, à mi-chemin entre maladresse et commandement. L’intrigue de Maison d’Ifé – déclenchée par la mort d’un jeune homme en partie éloigné de sa famille – se déroule de manière inégale, parfois de manière trop explicite, mais elle a un nouveau côté particulier mis en évidence dans la production vivante de Lynette Linton. La famille est partagée entre Addis-Abeba et Londres ; chacun est à la recherche d’une vie qui inclut l’expérience des deux pays. Et, littéralement, une langue. L’amharique, si souvent entendu dans les magasins et les rues de Londres, a-t-il déjà été entendu sur la scène anglaise ? Il a maintenant.

Notes par étoiles (sur cinq)
Oklahoma! ★★★★
Déchaîner Moi ★★
Maison d’Ifé ★★★

• Oklahoma! est au Young Vic, Londres, jusqu’au 25 juin