Ovec l’ouverture de son exposition-enquête, Carbon Slowly Turning, à la MK Gallery en mars (actuellement présentée à Turner Contemporary, Margate, jusqu’au 25 septembre), 2022 s’était déjà imposée comme une année majeure dans la carrière de la photographe et artiste visuelle Ingrid Pollard . Puis en avril, elle a été nominée pour le prix Turner, félicitée par un jury « frappé par de nouveaux développements audacieux » dans son travail récent ainsi que pour la façon dont elle a « pendant des décennies […] des histoires découvertes et des histoires cachées à la vue de tous ».

Dans des œuvres allant de The Cost of the English Landscape (1989), qui reliait des visions romantiques du Lake District à des références à la traite des esclaves et à la production d’énergie nucléaire à Sellafield, à Landscape Trauma (2001), où les structures géologiques des formations rocheuses de Northumbrie sont écrites en grand sur de vastes panneaux photographiques, Pollard a, pendant plus de 40 ans, reflété l’insuffisance des récits simplistes sur le paysage anglais et a proposé au contraire une vision artistique de l’engagement avec la nature. monde qui saisit avant tout son mouvement et sa complexité.

Une nouvelle série de sculptures cinétiques viendra, dans cette veine, couronner sa contribution à l’exposition du prix Turner qui s’ouvre à la Tate Liverpool en octobre. Jusque-là, peut-être que la meilleure preuve ici est une artiste qui, à 69 ans, n’atteint que maintenant l’apogée de ses pouvoirs créatifs, se trouve hors des sentiers battus, à la galerie Thelma Hulbert à Honiton, dans l’est du Devon, où une nouvelle exposition personnelle, Three Drops of Blood, rassemble l’engagement récent de Pollard avec les collections botaniques du XIXe siècle et l’histoire de l’est du Devon en tant qu’ancien centre mondial de fabrication de dentelle avec sa propre préoccupation persistante pour les questions de race et les héritages de l’empire.

Organisé par le Devon Parler dans les coins (AKA Ella Mills, dont la recherche en histoire de l’art s’est concentrée sur les figures féminines des mouvements d’arts noirs britanniques, notamment Pollard, Sonia Boyce, Lubaina Himid et Claudette Johnson), l’exposition marque l’aboutissement de deux années de recherche par Pollard à travers le comté, y compris à la Devon and Exeter Institution où, entre autres détails, elle a déterré des histoires folkloriques de la fougère. Cet élément traverse l’exposition en associant des reproductions parfaites de xylotheks – des boîtes en bois utilisées pour stocker des spécimens d’arbres – et la classification-photographie, avec des réflexions contemporaines de l’écrivain antiguais américain Jamaica Kincaid sur la communion avec les gens et les plantes dans l’Himalaya, et d’autres manières que aventure coloniale d’être au monde.

La fougère, semble-t-il, fait partie de notre paysage ancien, datant de plus de 300 millions d’années, et antérieure même à l’avènement des dinosaures, à la période carbonifère. Sa reproduction a été pendant des siècles un mystère – pas de fleurs ni de gousses – inspirant les croyances de l’action magique. On disait, par exemple, que quiconque détenait des graines de fougères invisibles serait aussi invisible, et qu’en les lançant au soleil avec une flèche le jour de la Saint-Jean, trois gouttes de sang tomberaient et quiconque attrapait les gouttes « acquerrait des connaissances ». de toutes choses » et pourrait tenir le diable à distance.

Cette résonance poétique dans le titre indique également la façon dont l’imagination, dans la dernière œuvre de Pollard, apparaît comme la substance qui maintient ensemble tant d’éléments disparates, transfigurant et transformant. Là où la juxtaposition d’images ou de texte et d’image d’une jeune Pollard, parfois dure, souvent ironique, pourrait nous conduire tête baissée dans un abîme de contradictions que l’on peut discerner au cœur de l’anglicisme et de la mythologie culturelle anglaise, elle apparaît ici comme un maître de la synthèse et de la humanisme. Elle tire les fils invisibles qui relient les paysages et les histoires et établit un sentiment d’être libéré qui se déplace librement dans l’espace et le temps.

Des portraits anonymes d’Africains, par exemple, sont sauvés des pages de livres anciens. Alors qu’autrefois ces images ont pu parler, à travers Pollard, de la violence des voix noires effacées par l’archive coloniale, elles sont ici refondues sur un tissu noir à motifs de pois blancs et deviennent le centre d’une danse visuelle qui stimule l’œil et rend le l’esprit s’envole. Une expérience de transcendance est véhiculée, confirmant la propre affirmation de Pollard, dans un texte qui accompagne l’exposition (s’appuyant sur une conversation avec la professeure de Sussex Divya P Tolia-Kelly), selon laquelle c’est « le travail le plus rêveur » qu’elle ait jamais Fini. Comme un rêve, il rend les choses oubliées et invisibles et atterrit avec un sentiment de restitution sublime.