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Succès récents au cours de la dernière décennie avec des films comme Robert Egger‘ La sorcière, Jordan Peléc’est Sortezet Ari Asterc’est milieu de l’été suggèrent que le style de l’horreur a profondément changé. Ce qui a été défini comme un nouveau sous-genre – « l’horreur élevée » – propose une évolution du genre de l’horreur qui a vu des contes sans doute plus nuancés privilégiant les éléments et les thèmes dramatiques au lieu des sensations fortes bon marché.
Cependant, définir cette ère de l’horreur comme «élevée» est une hypothèse dangereusement élitiste qui rejette l’histoire du genre comme n’ayant aucune profondeur analytique. Existant depuis plus d’un siècle, le cinéma d’horreur a historiquement exploré des sujets sombres et des thèmes transgressifs. Bien que le cinéma d’horreur classique ait produit de nombreux frissons bon marché qui deviendraient des classiques cultes, il est important de réaliser que le genre a toujours suscité la réflexion et mérite d’être analysé.
‘Le Cabinet du Dr Caligari’ (1920)
Considéré comme un exemple par excellence du cinéma expressionniste allemand, Robert Viennele film d’horreur muet Le Cabinet du Dr Caligari est l’un des premiers exemples de cinéma d’horreur qui allait influencer l’esthétique de l’horreur et du film noir pour les années à venir.
Dr. Caligari (Werner Kraus) est un hypnotiseur fou qui commet des meurtres violents par l’intermédiaire d’un somnambule obéissant. Produit à une époque où les tensions étaient vives après la Première Guerre mondiale, Le Cabinet du Dr Caligari thématise l’autorité brutale et irrationnelle, l’antagoniste du film représentant une figure tyrannique violente et imprudente qui idolâtre le pouvoir tout en violant impitoyablement tous les droits de l’homme.
‘Frankenstein’ (1931)
Dans James Baleinel’adaptation cinématographique de Marie Shelleyroman gothique classique, Frankenstein suit l’histoire du scientifique passionné Dr. Henry Frankenstein (Colin Clive) qui assemble son propre être vivant à partir de parties de cadavres.
Le monstre de Frankenstein est une figure emblématique de l’iconographie horrifique. Existant comme un monstre, et vu comme une abomination, Frankenstein traite explicitement des thèmes de ce que signifie être humain en déformant notre sens de l’humanité. Entouré d’assistants de laboratoire abusifs et de villageois antipathiques ; Frankenstein questionne non seulement ce que signifie être humain, mais révèle également les monstruosités au sein de l’humanité elle-même.
« L’invasion des voleurs de corps » (1956)
Dr. Miles Bennel (Kévin McCarthy) est confronté à de nombreux habitants de la petite ville de Santa Mira qui pensent que leurs proches ont été remplacés par des imposteurs identiques. Le rejetant initialement comme une illusion, Bennell découvre bientôt qu’une forme de vie extraterrestre produit en effet des doublons des citadins; des « gens pod » sans émotion.
Don Siegelc’est Invasion des voleurs de corps s’adapte Jack Finneyà travers les styles du film noir et de l’horreur pour porter le conte d’infiltration extraterrestre sur les écrans à une époque d’incertitude politique. À une époque où les États-Unis craignaient la propagation du communisme, le film explore la paranoïa de se conformer aux idéologies extraterrestres comme allégorie d’un monde sans individualité.
« La nuit des morts-vivants » (1968)
Situé dans la Pennsylvanie rurale, Georges Romeroc’est Nuit des morts-vivants est un film d’horreur américain indépendant qui suit sept personnes piégées dans une ferme alors qu’un groupe grandissant de zombies mangeurs de chair les entourent lentement.
Avec en toile de fond le mouvement des droits civiques au moment de la sortie du film, le casting de l’acteur afro-américain Duan Jones alors que Ben – le seul personnage non blanc et seul survivant de l’attaque de zombies – devient une allégorie claire des tensions raciales du monde réel de l’époque. Pour que Ben survive à l’apocalypse zombie, seulement pour être tué dans les derniers instants du film par l’un des hommes du shérif – les « bons gars » perçus du film – il est impossible de nier les thèmes raciaux et les peurs qui sous-tendent Nuit des morts-vivants.
« Le bébé de Rosemary » (1968)
Après qu’un jeune couple s’est installé dans un appartement à New York avec le rêve de fonder une famille, Rosemary (Mia Farrow) devient de plus en plus anxieuse alors qu’elle commence à soupçonner que ses étranges nouveaux voisins mettent son enfant à naître en danger.
Avec un culte satanique, un clan de sorcières et la menace du retour de Lucifer, la véritable horreur de Roman Polanskyc’est Le bébé de Rosemary peut être trouvé dans de nombreux endroits. Mais peut-être le plus terrifiant, c’est que le mari de Rosemary l’allume au gaz et la menace qui en résulte pour la vie de Rosemary qui révèle les horreurs de la domesticité et l’effacement de l’identité. Le bébé de Rosemary met en valeur les pressions exercées sur les femmes qui sont manipulées pour maintenir la sphère domestique.
« Les épouses de Stepford » (1975)
Jeanne (Catherine Ross) est une jeune épouse qui emménage dans la petite communauté de Stepford avec son mari et ses deux filles. Une ville américaine idyllique, elle découvre bientôt la sinistre vérité derrière le comportement trop parfait des résidentes avec leurs apparences impeccables et leur obsession pour les tâches ménagères.
Basé sur le livre du même nom, Brian Forbes‘ Les femmes de Stepford est un thriller psychologique qui révèle les horreurs de la dynamique du pouvoir entre les sexes ancrée dans l’idéologie américaine. Des films précédents comme Ne t’inquiète pas chérie, Les femmes de Stepford utilise le genre de l’horreur pour créer une étrange atmosphère dystopique où les désirs des hommes sont satirisés à travers des femmes créées par l’homme pour critiquer les valeurs archaïques de la domesticité et de la soumission féminines.
‘Carrie’ (1976)
Carrie (Sissy Spacek) n’est pas comme les autres adolescentes. Tourmentée par ses pairs et abusée par sa mère fanatiquement religieuse, Carrie, pour survivre, exploite ses nouveaux pouvoirs de télékinésie pour se venger de tous ceux qui l’ont croisée.
Dans Brian De Palmal’adaptation de Stephen KingDans le roman classique, le personnage titulaire devient un point de transgression adolescente en réponse aux forces qui la rabaissent. En tant que film de vengeance justifié, Carrie travaille pour déplacer l’horreur, donc nous ne craignons pas la puissante adolescente télékinétique, mais voyons plutôt les horreurs dans les systèmes qui l’ont trahie.
» Possession » (1981)
Andrzej Żuławskic’est Possession suit le divorce imminent entre Mark (Sam Neil) et sa femme Anna (Isabelle Adjani), compliquée par le fait qu’Anna cache son amant secret – une étrange créature tentaculaire. Alors que Possession traite thématiquement du divorce, c’est à travers la manifestation monstrueuse du divorce des personnages – leur culpabilité, leur honte et leurs désirs – qui ouvre ce film à une analyse plus approfondie.
Les récits de rupture capitalisent souvent sur la folie et la rage féminines. Cependant, lorsqu’elle est associée au genre de l’horreur, la notion décriée de l’hystérie féminine est subvertie dans son effondrement de l’asservissement féminin pour constituer une menace tangible pour leurs homologues masculins. Avec tout son sang et sa transgression, Possession offre un aperçu horrible des relations et du désir et des monstruosités qui peuvent en émerger.
« La faim » (1983)
Le vampire a toujours été une figure séduisante du genre horreur – possédant un charme unique qui enchante ses victimes et une promesse d’immortalité qu’aucun humain ne pourrait refuser. Tony Scottc’est La faim explore une autre facette du vampire éthéré, avec John (David Bowie) accepter le fait que la vie éternelle ne promet pas exactement la jeunesse éternelle.
Avant de M. Night Shyamalan’film d’horreur Agé de, La faim a exploré les peurs de l’humanité de vieillir à travers la figure du vampire comme une exploration méditative de la valeur de notre culture sur la beauté physique en la représentant presque comme une dépendance.
‘Vidéodrome’ (1983)
Situé au début des années 1980, Vidéodrome suit Max Renn (James Woods) le PDG d’une chaîne de télévision trash qui cherche désespérément de nouvelles émissions pour attirer les téléspectateurs. Il tombe par hasard sur « Videodrome », une émission télévisée consacrée à la torture et à la punition gratuites – quelque chose qu’il considère comme un succès potentiel. Cependant, après avoir entendu que sa petite amie avait auditionné pour l’émission et n’était jamais revenue, Max doit enquêter sur la vérité derrière Videodrome et découvre que la violence graphique n’est peut-être pas simplement le résultat de la magie de la télévision.
En tant que maître de l’horreur corporelle, David Cronenbergc’est Vidéodrome est une exploration techno-surréaliste de l’impression qu’un monde technologique a sur nos sens humains. Révélant la fascination de l’humanité pour l’horreur, le sexe et la violence, Vidéodrome déconstruit activement les frontières de la fiction et de la réalité en demandant à son propre public de repenser sa propre relation avec le contenu qu’il consomme à l’écran.
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