Laurids Gallée est un designer engagé à perfectionner le processus

Pour Laurids Gallée, une carrière créative s’est écrite dans les étoiles. Il est issu d’une famille d’artistes et, bien qu’il se soit rebellé contre leurs influences pendant la plus grande partie de son enfance, il s’attache désormais à concevoir des objets qui ont un côté nettement artistique.

En 2015, il quitte son Autriche natale pour les Pays-Bas, prenant une place à la Design Academy Eindhoven. L’école est connue pour repousser les limites et encourager ses élèves à réfléchir au design et à son contexte – guidant la carrière de certains des créateurs les plus impressionnants de l’époque, de Formafantasma à Martin Baas. Il semble qu’il ait été prévu que pour Gallée aussi, qui a pris la décision de se diriger vers le design, c’est après une brève période d’études en anthropologie. Vous pourriez dire que les deux sont plus étroitement liés que vous ne le pensez à première vue. L’anthropologie, après tout, est l’étude des humains et de leurs comportements, tandis que le design crée le monde dans lequel vivent les humains. Bien que pour Gallée, c’est un désir de travailler dans un sens pratique plutôt que d’avoir la « tête dans les livres » qui a inspiré le changement. Après son diplôme, il a perfectionné ses compétences dans de nombreuses techniques de fabrication et métiers, avant de fonder son propre studio en 2017. Maintenant, depuis Rotterdam, il crée des œuvres qui explorent la possibilité de techniques traditionnelles lorsqu’elles sont combinées avec des matériaux et des procédés de fabrication modernes – mais toujours avec un sentiment de raffinement, et jamais sans concept.

Ses œuvres les plus récentes (photo ci-dessus) sont collectivement intitulées « Empyrean » et arrivent sous la forme de lampes légèrement brillantes. « Empyrean était considéré comme un lieu céleste au plus haut des cieux, occupé par l’élément feu », explique-t-il. « La lueur chaleureuse du plafonnier Empyrean suspendu 01 rend hommage à ce concept désuet. » À l’occasion du lancement, nous avons rencontré Gallée pour découvrir son parcours vers le design, ses projets d’avenir et comment il en est venu à créer les pièces Empyrean.

Pouvez-vous me parler du processus de création de la lumière Empyrean ?

J’ai travaillé dans la production de résine pendant environ 4 ans, réalisant des pièces d’art et de design pour de nombreux designers contemporains bien connus travaillant avec ce matériau. Mon intérêt pour la résine remonte à mes années d’études à la Design Academy, mais j’ai toujours pensé que les designers qui s’en occupaient ne faisaient qu’effleurer la surface de ce que ces matériaux avaient à offrir. Les résines de coulée sont incroyablement polyvalentes puisque vous contrôlez tout ; couleur, translucidité, finition de surface, tout le toucher d’un objet peut facilement être dicté.

C’est l’outil ultime si vous êtes intéressé à façonner un objet à partir de zéro et que vous ne voulez pas vous fier aux propriétés esthétiques des matériaux naturels. Pendant des années, j’allais à l’atelier pour observer comment la matière se comporte sous différentes conditions d’éclairage, et plus particulièrement comment la forme interagit avec les réflexions internes.

Quel a été votre premier souvenir d’exploration de la créativité et quel chemin avez-vous emprunté pour en arriver là où vous en êtes maintenant ?

Presque tout le monde dans ma famille proche est un artiste. De mon grand-père à mes parents, en passant par ma tante et mon oncle, ce sont tous des artistes. J’ai été exposée très tôt à leurs pratiques créatives. Même si j’ai rejeté les pratiques créatives pendant la plus grande partie de mon enfance, cette influence de ma famille est sans doute ce qui a finalement ouvert la voie vers cette direction. Comme tant d’autres, il suffisait d’un petit coup de pouce pour que j’y aille.

Pour moi, c’est l’étude de l’anthropologie qui m’a fait prendre conscience qu’il n’était pas question que je me mette la tête dans les livres pour le reste de ma vie. Ensuite, j’ai regardé quelle étude créative je pouvais faire. Le design me semblait le plus accessible à ce stade de ma vie, alors j’ai postulé à la Design Academy, et quand je suis arrivé à Eindhoven, j’ai immédiatement senti que j’étais au bon endroit.

« Presque tout mon travail est le résultat direct de l’exploration de différents matériaux et procédés de fabrication »

Y a-t-il eu un moment où vous avez senti que vous vous trouviez en tant que designer, en termes d’esthétique ou de processus ?

Je ne sais pas si j’ai encore trouvé ma propre esthétique et il y a de fortes chances que je ne le fasse jamais. Ce que je pense être vraiment bon, c’est m’intéresser au processus lui-même. Presque tout mon travail est le résultat direct de l’exploration de différents matériaux et procédés de fabrication.

Vous pourriez dire que c’est un certain type de jeu jusqu’à ce qu’il devienne vraiment intéressant, puis cela se transforme en travail pendant la brève période de production d’une pièce. Et après cela, le processus se répète à nouveau. Je classerais cependant mon travail dans deux catégories différentes; il y a tout le travail basé sur la matière, et puis il y a mes dessins, certains d’entre eux également réalisés sur les objets que je fabrique. Aussi ludiques soient-ils, les dessins ressemblent beaucoup plus à un travail acharné pour moi. Je suis incroyablement critique à leur égard et je dois souvent mâcher des dizaines de tentatives jusqu’à ce que je ne sois que marginalement satisfait.

Quelles sont les choses qui vous inspirent et qu’est-ce qui influence votre travail ?

Je ne regarde pas trop ce que font les autres designers, je peux trouver plus d’inspiration en regardant l’histoire des arts appliqués. Cela pourrait être n’importe quoi, des meubles de fermier typiquement autrichiens ‘Bemalte Bauernmöbel’ à l’impression japonaise sur bois, mais je dirais que la plupart d’entre eux sont des travaux qui impliquent une sorte d’illustration figurative. Pour mes œuvres en résine, je ne regarde pas du tout le travail existant, j’essaie de laisser le matériau dicter le processus.

Que signifie être designer en 2022 ? Que souhaitez-vous faire à travers votre travail et vers quoi vous concentrez-vous ?

Mon travail repose entièrement sur la fascination personnelle, mais il est définitivement important pour moi de transmettre un sentiment de surprise ou d’émerveillement à travers mon travail. Je pense qu’il est important que mes œuvres en bois rappellent à quelqu’un l’artisanat traditionnel, qu’il soit clairement visible sur quoi cette œuvre est construite, tout en étant sans aucun doute placée dans le contemporain. Dans le meilleur des cas, il devrait agir comme une sorte de pont, un hybride traditionnel/contemporain, embrassant à la fois l’avenir et le passé.

Les pièces en résine peuvent également avoir cet effet, mais d’une manière très différente, où la matérialité, la lumière et la couleur deviennent l’élément déterminant. Dans un futur proche, j’aimerais faire quelque chose comme des installations à grande échelle, peut-être quelque chose de plus interactif. Je ne vois vraiment pas ma pratique se cantonner au seul monde du design mobilier. Cela s’est avéré être ma porte d’entrée pour faire des choses jusqu’à présent.

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