2022 s’est avérée être une année fructueuse pour les cinéastes pour explorer leurs histoires personnelles à travers leurs films. De Steven Spielbergc’est Les Fabelman à d’Alexander Iñarritu Bardo, fausse chronique d’une poignée de vérités, de nombreux réalisateurs de haut niveau ont choisi de travailler sur des projets leur permettant d’enquêter sur leurs souvenirs et leur identité à l’écran. En dehors des auteurs superstars de renom, certains des films les plus acclamés par la critique de l’année ont été créés par des cinéastes montantes qui ont également choisi d’examiner leur sens de soi et leurs souvenirs du passé avec leurs dernières entreprises. Cette réalisation de films profondément personnels est tout à fait impressionnante, compte tenu des contraintes créatives et budgétaires souvent imposées aux cinéastes qui se font encore une réputation sur la scène mondiale. L’audace subtile de ces films intimes offre des couches intrigantes de compétence et de retenue qui les distinguent clairement de tout autre travail de l’année écoulée. Regardons les derniers films de Charlotte Wells, Alice Diopet Joanna Hogg pour disséquer comment ces femmes cinéastes ont exploré leurs souvenirs et leurs identités pour livrer certains des meilleurs films de 2022.
Après-soleil
La cinéaste écossaise Charlotte Wells a séduit le public partout depuis son premier long métrage Après-soleil a été présenté en première à Cannes plus tôt cette année dans la section Semaine internationale de la critique du festival. Après-soleil existe comme une vision de souvenirs pour son personnage principal, Sophie, joué par l’impressionnant nouveau venu Frankie Cuir. Dans le présent, l’adulte Sophie se réveille la nuit d’un rêve touchant sur son père, Callum (Paul Mescal), qu’elle voit danser dans une rave de l’autre côté de la pièce. Ce rêve envoie Sophie dans des souvenirs de son père, en particulier des vacances qu’ils ont passées ensemble dans les années 90 dans une station balnéaire turque lorsque Sophie avait 11 ans. Rétrospectivement, l’adulte Sophie revient sur ces vacances avec son père comme un tournant important dans sa vie – un moment distinct marquant la fin de l’innocence vécue à l’approche de l’adolescence, ainsi que la prise de conscience que son père fait face à ses propres luttes internes à l’extérieur leur vie ensemble.
Alors que le scénario de Wells pour Après-soleil n’est pas une interprétation directe de son expérience d’enfance, la cinéaste explore les impressions texturales de sa mémoire à travers les images, l’ambiance et les performances du film. Directeur de la photographie Grégory Oké capture magnifiquement le film avec de belles images, écoutant les souvenirs fanés par le soleil des vacances de Sophie avec son père avec une compréhension magistrale des couleurs et du style qui parlent du décor d’époque du film. De plus, au sein de Après-soleil À l’ère des années 90, Wells accorde une attention particulière aux détails de la production, parlant davantage des souvenirs de Sophie et les plaçant fermement dans l’espace de son esprit. Sans doute avec le plus d’importance, la décision de Wells de fictionnaliser le film au lieu de le baser sur ses expériences d’enfance parle le plus honnêtement de la façon dont la mémoire de l’enfance fonctionne – un sens nuancé entre la vérité et la fabrication de la façon dont les compréhensions sont créées à travers l’imagination personnelle de son passé .
L’identité personnelle joue un rôle énorme dans la compréhension de Sophie et Callum dans Après-soleil. À 11 ans, ce sont probablement les premières vacances de Sophie où elle ressent un besoin de séparation d’avec son père, où elle peut créer ses propres expériences. Cela se traduit par son désir de passer du temps avec des adolescents plus âgés à la station, en particulier lorsque Callum la pousse à se lier d’amitié avec des enfants plus immatures. L’étendue délicate entre l’enfance et l’adolescence est souvent confrontée dans les scènes individuelles de Sophie dans Après-soleil. Le sens de soi de Sophie par rapport à son père est également montré à travers les moments calmes de souffrance de Callum, qu’il a du mal à éloigner d’elle. Ces instants d’angoisse conduisent Sophie à mieux comprendre son père en tant que sa propre personne, face à ses propres démons – visualisés de manière obsédante à travers les rêves de Sophie adulte de son père dansant dans le club avec rage et désespoir.
Saint Omer
Alice Diop est connue en France pour son remarquable cinéma documentaire. Pourtant, son premier long métrage Saint Omer a lancé sa carrière dans une direction nouvelle et passionnante alors que le film a séduit les critiques du monde entier depuis sa première à la Mostra de Venise. Saint Omer apparaît comme un drame judiciaire sans précédent, inspiré par une récente affaire judiciaire en France dans laquelle une immigrée sénégalaise a été reconnue coupable d’infanticide, laissant sa jeune fille sur le rivage pour être avalée par les vagues. Allez Kagame étoiles dans Saint Omer en tant que Rama, une remplaçante de Diop elle-même (qui a suivi de manière obsessionnelle le procès pendant qu’il se déroulait). Ecrivain universitaire travaillant sur un nouveau roman qui recontextualise le mythe de Médée, Rama, enceinte, se rend dans la ville de Saint Omer pour assister au procès de Laurence, joué par Guslagie Malanda, la femme accusée d’avoir tué sa fille. Alors que Laurence prend la parole devant le tribunal pour expliquer les incidents qui l’ont conduite à son choix, Rama commence à se voir en Laurence à travers leur expérience commune en tant que femmes noires dans la France moderne. Comme Saint Omer se déroule, Rama est obligée de s’engager dans des concepts nuancés de mémoire et d’identité qui relient son histoire personnelle à Laurence sous des formes invisibles.
Dans Saint Omer, la mémoire est un canal crucial permettant aux protagonistes féminines du film d’explorer leurs vérités. Le personnage de Laurence est exclusivement examiné à travers sa déposition devant le tribunal, lui permettant de partager les souvenirs qui ont abouti à son crime pour la toute première fois. Enfant au Sénégal, Laurence a été poussée par sa famille à suivre un parcours académique qui la mènerait à une vie réussie en France. Cependant, une fois installée là-bas, elle se souvient de la façon dont la société française l’a traitée comme une paria, y compris l’homme blanc beaucoup plus âgé qui a engendré son enfant. Assis au procès, les souvenirs d’isolement de Laurence ont un impact sur Rama, qui s’est également déconnectée de sa lignée sénégalaise alors qu’elle s’est créée une vie en France. Dans un lien passionnant avec Après-soleilDiop entremêle des recréations de vidéos personnelles de l’enfance de Rama, renouant avec le rapport de la réalisatrice à ses souvenirs.
Étroitement lié aux racines de Diop en tant que citoyen français né de parents sénégalais, Saint Omer offre un regard fascinant sur l’identité des immigrés et la perspective des femmes noires vivant dans l’Europe contemporaine. Les personnages de Rama et Laurence sont liés par leur identité culturelle commune en tant qu’individus forcés par la société à se sentir coincés entre deux facettes différentes de qui ils sont. Cette manifestation de traitement injuste est particulièrement évidente à travers Laurence et l’acte qu’elle a commis, motivée par les effets néfastes de la manipulation émotionnelle et du racisme qui l’ont amenée à commettre un crime qu’elle-même ne peut pas entièrement comprendre. De plus, des parties de Saint Omer capturez la connexion en développement de Rama avec la mère de Laurence, qui assiste également au procès. Ce lien rappelle à Rama sa relation avec sa propre mère stoïque et intuitive, avec qui elle ressent une perte d’harmonie dans la première partie du film. Au cours du procès, Rama, qui a récemment découvert qu’elle était enceinte, commence à éprouver des inquiétudes personnelles concernant la maternité en relation avec les propres expériences de Laurence avec elle, qui ne font qu’augmenter à mesure que l’affaire avance. Alors qu’un sentiment d’identité interconnecté est un facteur énorme dans la compassion toujours croissante de Rama pour la situation de Laurence, leur expérience partagée s’ouvre également à des publics privés de leurs droits qui peuvent également être en mesure de s’identifier.
La fille éternelle
Joanna Hogg est l’une des cinéastes les plus excitantes et prolifiques d’Angleterre de ces dernières années, sondant profondément sa vie avec ses derniers films, Le souvenir et Le Souvenir Partie IIet choisissant de poursuivre sur ce thème dans son dernier film, La fille éternelle. Le film trouve Tilda Swinton jouant à nouveau un double rôle en tant que personnages centraux du film – Julie, une cinéaste d’âge moyen, et Rosalind, sa mère âgée. Dans La fille éternelleDans les scènes d’ouverture, les femmes se lancent dans une escapade pour l’anniversaire de Rosalind qui approche dans un ancien domaine majestueux au Pays de Galles qui appartenait autrefois à leurs proches. Le personnage de Julie espère rendre parfait le voyage d’anniversaire de sa mère, mais prévoit également de travailler secrètement sur un scénario à venir tournant autour de l’histoire de la vie de sa mère. Cependant, alors que les femmes s’installent dans leur séjour au mystérieux manoir, des souvenirs du passé commencent à les hanter d’une manière qu’elles n’auraient jamais imaginée, prenant des éléments du genre d’horreur gothique dans des modes inventives jamais explorées auparavant par le style de Hogg. Grâce à des enquêtes sur l’histoire personnelle et comment elle influence le présent, La fille éternelle plonge brillamment dans les expériences de deuil de Hogg alors que la cinéaste acceptait le décès de sa mère.
La hantise de la mémoire est un thème important dans La fille éternelle, parfaitement dépeint dans les clins d’œil du film au genre d’horreur gothique et à son cadre gallois isolé. L’histoire dans les murs du manoir fantomatique où ils séjournent fonctionne de façon spectaculaire comme une « maison hantée », demandant au public de contempler combien de souvenirs cette maison légendaire doit contenir. Le personnage de Rosalind a passé de nombreux moments traumatisants de sa vie dans ce domaine puisque ses ancêtres en étaient autrefois propriétaires, et à mesure que leurs vacances se poursuivent, les souvenirs reviennent. À des fins de recherche sur son prochain scénario, Julie tente d’enregistrer secrètement les réflexions de Rosalind sur ces souvenirs, ce qui amène Julie à remettre en question l’intégrité du projet, car les souvenirs émotionnels appartiennent entièrement à sa mère. La mémoire fait également partie intégrante de la brillante collaboration entre Hogg et Swinton. Les deux femmes ont travaillé ensemble sur de nombreux films et sont amies depuis l’école primaire. Ayant connu les familles de l’autre, les deux femmes ont pu réfléchir sur leurs propres souvenirs des relations de l’autre avec leurs mères, ce qui est perceptible dans le film final. Sans ces souvenirs personnels, La fille éternelle serait un tout autre film.
Comme pour la plupart des travaux récents de Hogg, La fille éternelle opère avec des méthodes qui lient étroitement le film à une auto-fiction. La réalisatrice étudie sa propre identité à travers l’exploration par le film de sa relation mère-fille centrale, particulièrement émotionnellement, puisque Hogg a tourné le film pendant les derniers jours de sa mère – elle est décédée avant que Hogg n’ait terminé la post-production. Plus distinctement de la première scène du film, nous voyons Swinton jouer les deux rôles de mère et de fille. Ce choix illustre une mise en miroir directe des deux femmes, inextricablement liées par le lien profond qui unit un enfant à son parent dans des formes qui transcendent la chair et le sang. Les manières partagées par Julie et Rosalind sont fidèles à leur influence tacite l’une sur l’autre, principalement la façon dont elles ont formé le sens de soi de Julie dans sa vie d’adulte. Comme pour le personnage de Julie, Hogg a caché de nombreux éléments de ce projet à sa mère. Hogg était aux prises avec la peur et le chagrin de perdre sa mère avant même que cela ne se produise – une façon de travailler à travers l’horreur de l’inconnu après le décès de sa mère et comment cela affecterait son sens de soi. La poursuite par Hogg de l’exploration de son existence avec son travail reste l’une de ses pratiques cinématographiques les plus convaincantes.
Bien que ces trois films soient très distincts et proviennent de cinéastes d’horizons totalement différents, ils partagent tous des éléments subjectifs de la vie et des expériences de leurs réalisatrices. Grâce à la mémoire et au sens de soi, les réalisateurs de ces films peuvent puiser dans une vulnérabilité créative rarement vue dans le cinéma moderne. Par conséquent, Après-soleil, Saint Omeret La fille éternelle se sont tous révélés avoir un impact puissant sur les publics du monde entier – se retrouvant dans les 10 meilleures listes de fin d’année des principaux critiques et publications du monde entier. Ces films stimulants et intimes s’ouvriront à un public plus large de cinéphiles dans les mois à venir et laisseront de profondes impressions émotionnelles sur ceux qui les vivront.