Mandy (2018) est un film difficile à cerner : à la fois film de vengeance et œuvre d’art visuel, c’est un film qui a continué à défier les tentatives de catégorisation. Malgré cela, ou peut-être à cause de cela, il a construit un culte depuis sa sortie, et a commencé ce que cet auteur a affectueusement appelé la Cageissance, pour l’acteur principal Nicolas Cageun peu comme la McConaissance l’a fait pour Matthieu McConaughey Publier Vrai détective et Dallas Buyers Club. Mandy est un cauchemar baigné de néons qui aborde les thèmes de la vengeance, de la misogynie et des changements de réalité psychédéliques. Bien que ce film soit contemporain et se déroule au début des années 1980, l’héritage turbulent des années 1970 est évident dans la dynamique entre tous les personnages principaux et dans les questions tendues et difficiles que le film pose sur notre droit à vivre par nous-mêmes. termes, et le manque de protection contre ceux qui nous feraient du mal.

De quoi parle ‘Mandy’ ?

Le film commence par un regard intime sur la vie de Red (Nicolas Cage) et de la titulaire Mandy (Andrea Riseborough), qui ont créé une existence idyllique. Red vit dans les bois mais passe ses journées à couper les choses qu’il aime en tant que bûcheron, une métaphore appropriée pour la façon dont il détruira la vie qu’il aimait pour se venger au cours du film. Leur vie est romantique et poétique parmi les arbres, dormant contre un mur de verre qui leur laisse entrevoir les étoiles. Cette paix est brisée avec l’arrivée de Jeremiah Sands (Linus Roache) et ses enfants de la nouvelle aube. Sands jette son dévolu sur Mandy et, face à son rejet, déclenche une chaîne de violence qui enverra Red au bord de la raison.

Les peurs qui hantaient le public américain dans les années 1970 sont savamment exploitées par le réalisateur Chiffons Cosmato pour souligner comment nos peurs collectives à l’ère moderne résonnent encore avec les cris du passé. L’agitation de l’époque et le rejet de l’autorité traditionnelle sont représentés dans la retraite de Red et Mandy dans les bois isolés, choisissant une vie de solitude facile, non encombrée par la poussée capitaliste. Cet héritage est également présent dans l’utilisation généralisée des psychédéliques, y compris une forme particulière de gak gobelin qui transforme Cage en un Golem imbibé de sang, déterminé à la destruction dans la seconde moitié du film. C’est un point de basculement pour Mandyl’emmenant dans un territoire inconnu, infesté de tigres et, comme le dit si éloquemment Red, « des motards, des psychopathes noueux et … un mal fou ».

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Les années 1970 ont vu la montée du tueur en série

Parallèlement à la popularité du LSD et à son empreinte psychédélique sur l’art et la créativité, nous avons également été témoins dans les années 1970 de la montée en puissance du tueur en série. Les délinquants en série n’étaient pas un phénomène nouveau, mais il convient de noter que l’impact global d’un nombre aussi élevé de tueurs en série actifs en une décennie a conduit à un changement de culture rapide de l’abandon insouciant des années 1960 au danger étranger des années 1980. Il est également clair de voir l’inspiration du chef de secte meurtrière, un thème central dans Mandy, avec Jeremiah Sands jouant le rôle de remplaçant à peine déguisé de Charles Manson. Tout comme Manson, Sands est un mégalomane, un bébé pleurnichard, un homme tellement frustré par le refus du monde de voir sa grandeur qu’il mutile et blesse les autres pour extérioriser sa rage. La montée du mouvement des droits civiques et des mouvements de libération des femmes dans les années 1970 trouve un écho dans la rage de Sands contre un monde indifférent où il n’est plus roi et capable de prendre ce qu’il veut en toute impunité. Tout comme Manson, c’est un musicien en herbe, tellement convaincu par sa grandeur que tout petit coup porté à son ego est ressenti comme un couteau dans le cœur. Les Enfants de la Nouvelle Aube, avec leur style de vie de communauté nomade, se sentent comme une gueule de bois de l’ère de l’amour libre des années 1960. Que ce mode de vie ait été subverti en un mode de vie qui alimente le narcissisme des Sands, et la cupidité qu’ils assouvent par l’invasion de domicile, le vol et la violence ne fait que faire écho au culte de la famille Manson pour le culte des héros, le meurtre et la toxicomanie qui a été largement diffusé pendant son procès en 1971.

‘Mandy’ ramène les spectateurs aux films des années 1970

La violence de la seconde moitié du film rappelle au spectateur les films granuleux, souvent d’une brutalité ambivalente, des années 1970, avec des nuances de Conducteur de taxi et Travis Bickel (Robert Di Nero) dans les délires de Sands sur l’amour purificateur d’un Seigneur qui l’aime juste un peu plus que la plupart. La transformation de Red en quelque chose de plus qu’humain, une entité spirituelle dans la pénombre entre dieu et homme, nous rappelle les motifs ambigus de la Vagabond des hautes plaines, mettant en vedette Clint Eastwood. Red n’en sort pas indemne, et le flou délibéré de la fin, d’un homme ensanglanté hanté par son amant, nous rappelle que la vengeance a un prix, pour tous. Il y a un certain nombre d’éléments folkloriques, de la carrière ratée de Sands en tant que musicien folklorique aux images vives parsemées, qui donnent des signes subtils au désir de renverser la croyance religieuse à des fins néfastes. Le temple, dans lequel se déroule la confrontation finale entre Red et Sands, situé dans une carrière et qui finit par brûler, offre une vision contemporaine du symbolisme qui conserve encore des nuances d’horreur folklorique classique comme L’homme en osier.

Difficile de le classer peut-être, mais Mandy a laissé une empreinte culturelle indélébile sur le genre de l’horreur, gagnant les éloges de Nicolas Cage et revigorant l’esthétique des films d’horreur avec des nuances de rose et de violet qui ont continué à teinter nos écrans trempés de sang dans des films comme Couleur hors de l’espace et Bonheur. Malgré l’abondance de sang et de tripes, un combat à la tronçonneuse qui restera dans l’histoire et une performance délicieusement supérieure de Cage, Mandy ne perd jamais son cœur. De la partition étrangement belle de Johan Johansson à l’histoire d’amour ultra romantique entre Red et Mandy, on ne perd jamais notre identification avec Red et son désir de venger la mort de Mandy. Le grain des années 1970 est peut-être omniprésent, mais c’est aussi une histoire intemporelle d’amour, de perte et de chagrin.