Critique des « vies passées »: la dramaturge Celine Song fait un pas étonnant dans les longs métrages avec ce drame romantique qui s’étend sur des décennies

Trois personnes sont assises ensemble dans un bar, un homme et une femme pris dans une conversation animée que nous ne pouvons pas entendre et un autre homme qui a l’air triste, ennuyé ou anxieux alors qu’il boit son verre en silence. De l’autre côté de la pièce, les voix de deux personnes invisibles spéculent sur qui sont les trois étrangers l’un pour l’autre, un jeu auquel les écrivains jouent souvent, basant leurs conjectures principalement sur le langage corporel et sur le simple fait qu’ils sont à New York. bar aux petites heures du matin.

La suggestion taquine pour un moment est que le film révélera les visages derrière ces voix et qu’ils seront peut-être même des protagonistes. Mais lorsque la caméra se déplace pour un gros plan intime de la femme de l’autre côté du bar, plongée dans une pensée qui semble l’emmener quelque part au loin, il est clair qu’elle sera le centre gravitationnel de l’histoire.

Vies antérieures

L’essentiel

Un original exquis.

Lieu: Festival du film de Sundance (Premières)
Jeter: Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro, Seung Ah Moon, Seung Min Yim, Ji Hye Yoon, Won Young Choi, Min Young Ahn, Yeon Woo Seo, Kiha Chang, Hee Chul Shin, Jun Hyuk Park
Réalisateur-scénariste: Céline Song

1 heure 46 minutes

Cette scène d’ouverture dans Vies antérieures, le premier long métrage remarquablement assuré de la dramaturge Celine Song, est un prologue intelligent qui pique notre intérêt tout en faisant à peine allusion aux émotions bouillonnantes qui seront suscitées lorsque nous revenons à la même scène, cette fois à portée de voix, tard dans le film. Cela se produit longtemps après que l’identité des trois personnes et leurs liens complexes ont été établis.

Les personnages principaux sont entraînés dans une triangulation mélancolique, mais il ne s’agit pas d’un drame romantique triangulaire banal. Il a des intermèdes de romance en plein essor qui vous feront reprendre votre souffle mais est rigoureux dans son évitement du mélodrame.

Il est difficile de transmettre la beauté multicouche de Vies antérieures au-delà du simple fait d’exhorter les gens à le voir et à se perdre dans son charme transperçant. Donc, si vous voulez cette expérience dans sa forme la plus pure, arrêtez de lire ici et croyez-moi simplement que la sortie A24 est un film exceptionnel, destiné à avoir une vie longtemps après sa première à Sundance et sa prochaine compétition à Berlin.

Conformément aux thèmes de Song, il est probable que le film revienne également dans votre propre vie, vous incitant à réfléchir aux bifurcations sur la route et à réfléchir à la manière dont un parcours différent aurait pu modifier votre identité.

Dans la mesure où ses complexités peuvent être condensées, le film est une contemplation pénétrante de l’amour et du destin ; regret cuisant sur les choix de vie; se demander où différents choix auraient pu nous mener ; et reconnaître le trou laissé dans nos vies par cette existence parallèle fantôme, tout en restant fermement convaincu que les choix faits étaient les bons. Ses reflets continueront probablement de vous hanter pendant des jours.

L’élégante écriture de Song est structurée comme un triptyque, se déplaçant gracieusement à travers trois périodes couvrant plus de deux décennies sur deux continents. L’histoire commence 24 ans avant la scène des bars, en sautant en Corée du Sud, où Nora (Seung Ah Moon), 12 ans, toujours sous son nom de naissance Na Young à l’époque, se prépare à émigrer avec sa famille au Canada. Elle est académiquement compétitive avec sa meilleure amie de l’école, Hae Sung (Seung Min Yim), sanglotant quand il l’évince de la première place dans un devoir de classe.

Dans une jolie scène qui sera reprise plus tard dans le film, la mère de Nora (Ji Hye Yoon) accompagne les deux enfants lors d’un rendez-vous dans un parc, souhaitant créer des souvenirs qui resteront avec sa fille alors qu’elle s’adapte à sa nouvelle vie nord-américaine. . Un coup en particulier continuera de résonner, Hae Sung regardant solennellement par la fenêtre de la voiture sur le chemin du retour après que Nora se soit endormie sur son épaule. Il y a une tristesse inexprimée dans son bref adieu à son béguin d’enfance, alors qu’elle semble en fait à ce sujet, sans sentimental, ayant précocement tracé un avenir en tant qu’écrivain primé.

Douze ans plus tard, Nora (maintenant jouée par Greta Lee) a déménagé de Toronto à New York pour étudier l’écriture dramatique. Curieuse de savoir ce qu’il est advenu des personnes qu’elle connaissait à Séoul, elle commence à chercher en ligne, luttant d’abord même pour se souvenir du nom du garçon qui était son compagnon le plus proche. Lorsqu’elle trouve Hae Sung (Teo Yoo), elle découvre qu’il la cherche également sur les réseaux sociaux. Les deux commencent à communiquer en ligne, le coréen rouillé de Nora indiquant à quel point son identité culturelle a changé.

Lorsqu’ils passent aux appels Skype, la timidité initiale cède rapidement la place à la chaleur et à la spontanéité, même si la personnalité américanisée décontractée de Nora est assez distincte de la manière plus réservée de Hae Sung, qui étudie maintenant l’ingénierie. Leurs conversations gagnent en intensité au point où ils commencent à discuter d’une réunion physique. Mais pour diverses raisons, Nora recule, alors qu’elle se prépare à se rendre dans une colonie d’écrivains de Montauk pendant qu’il se rend en Chine pour apprendre le mandarin.

À Montauk, Nora rencontre un autre écrivain, Arthur (John Magaro). À moitié ivre de clair de lune et de vin, elle lui parle du concept coréen d’In-Yun, relatif au destin et aux relations, en particulier les liens entre deux personnes informées par d’innombrables liens dans leurs vies passées. Puis elle rit : « C’est juste quelque chose que les Coréens disent pour séduire quelqu’un.

Douze autres années passent. Nora est mariée à Arthur depuis sept ans lorsqu’elle apprend à l’improviste de Hae Sung qu’il vient enfin à New York pour des vacances. Lors de leur première rencontre – en particulier dans un parc – Hae Sung reste souriant mais reste raide et incertain jusqu’à ce que Nora brise la glace avec une étreinte persistante. C’est un moment tellement chargé de sentiments inexprimés qu’il est presque émotionnellement écrasant. À peu près tout ce qu’ils peuvent se dire au début, c’est « Whoah ! » Mais ils commencent à combler les lacunes et à retomber dans leur ancienne proximité lors d’une promenade au bord de la rivière à Brooklyn.

Il existe un certain nombre de façons prévisibles pour un écrivain et cinéaste moins subtil de diriger cette réunion – à propos de la reconnexion d’âmes sœurs ou d’une femme confrontée à un choix difficile qui pourrait changer sa vie ou de deux hommes en compétition pour l’amour de la même femme. Mais ce n’est pas le film de Song. Ses choix restent inattendus tout au long de la ravissante section finale, qui comprend la scène d’ouverture de Nora, Hae Sung et Arthur au bar.

L’expérience de la réalisatrice en écriture dramatique est évidente dans son habileté impeccable avec la structure de la scène et le dialogue – sans parler de son investissement personnel, étant donné que le scénario est né de sa propre expérience hallucinante de se retrouver assise entre son mari et son amour d’enfance dans un barreau de New York.

L’une des nombreuses scènes les plus remarquables est le récit de Nora à Arthur sur sa première journée passée avec Hae Sung lorsqu’elle rentre dans leur appartement ce soir-là. « Il est très coréen », dit-elle, sur un ton qui implique à la fois une ambivalence amusée et le respect de cette empreinte culturelle. Elle se voit comme n’étant pas coréenne quand elle est avec Hae Sung, « Mais à certains égards, plus coréenne. »

Le sens de la façon dont les lieux, les villes, l’architecture et les mœurs culturelles façonnent et changent les gens au fil du temps est profondément ancré dans la cinématographie limpide de Shabier Kirchner (qui a tourné le film de Steve McQueen Petite hache films), son regard naturaliste parvient tant bien que mal à être à la fois détaché et intimiste.

Une mauvaise direction intelligente nous fait sous-estimer l’acuité émotionnelle d’Arthur pendant une minute – il a publié un roman intitulé Gaffe et passe du temps seul à jouer à des jeux vidéo comme un enfant. Mais dans la performance réfléchie et déchirante de Magaro, nous voyons la lutte interne entre la jalousie et l’acceptation adulte du besoin de Nora de revisiter et de comprendre une partie oubliée de son passé. L’une des qualités les plus admirables du film de Song est l’équité et la générosité peu communes avec lesquelles elle traite les trois personnages principaux, même si la perspective dominante est celle de Nora.

Arthur devient presque méta à propos de la situation lors d’une conversation au lit, imaginant la réapparition de Hae Sung comme une histoire dans laquelle il serait « l’Américain blanc diabolique faisant obstacle à son destin ». Lorsqu’il lui révèle qu’elle dort en coréen, son sentiment d’exclusion est palpable, même s’il apprend la langue. « C’est comme s’il y avait tout cet endroit à l’intérieur de toi où je ne peux pas aller », lui dit-il, avouant qu’il se demande si sa vie pourra jamais être assez grande pour elle.

Lorsque le mari de Nora et le fantôme réanimé de son passé se rencontrent enfin lors de la dernière nuit du visiteur en ville, l’anxiété d’Arthur face au lien évident entre sa femme et Hae Sung est douloureusement poignante. Mais il en va de même pour la confession de Hae Sung sur le mal que le fait d’aimer Arthur lui cause. Au cours d’un moment magnifique où les deux hommes sont brièvement seuls ensemble, Hae Sung s’aventure sur le fait qu’In-Yun – un thème qui a traversé le film – s’applique également à eux. La force émotionnelle requise pour que Hae Sung s’ouvre enfin à Nora et exprime ses sentiments est énorme, et pourtant Song et ses acteurs jouent la scène avec une retenue infaillible. Il en va de même pour le dernier tronçon, à la fois déchirant et réconfortant.

Les performances des trois leaders ne pouvaient tout simplement pas être meilleures. Cela devrait être un rôle d’évasion pour Yoo, qui trace une ligne avec une grande sensibilité du garçon de 12 ans debout silencieusement aux côtés d’une Nora en pleurs au jeune étudiant peu sûr mais plein d’espoir, en train de se saouler avec ses copains sur soju mais toujours vivant à la maison avec ses parents. Dans la section finale, il devient l’homme mûr enfin capable d’agir sur des sentiments qui l’ont accompagné la majeure partie de sa vie, et avec encore plus de difficulté, de les exprimer. L’évolution du personnage et la capacité de Yoo à le transmettre souvent avec ses yeux ou son langage corporel sont émouvantes.

C’est merveilleux de voir Magaro, si superbe dans Kelly Reichardt Première vache et Se pointer, dans un rôle romantique. Il a le moins de temps d’écran des trois protagonistes, mais gère l’équilibre délicat consistant à trouver à la fois de l’humour et du pathos dans son personnage. Magaro transforme le rôle en quelque chose de profond et de complexe grâce à la douceur du comportement d’Arthur et à la douleur évidente de maintenir un calme et une compréhension adultes au milieu de développements qui pourraient potentiellement le briser, ne laissant transparaître qu’un pic de ressentiment.

Que dire de la profondeur extraordinaire de la performance de Lee ? Elle vous fait vivre dans la tête de Nora pendant toute la durée, ayant tendance à laisser l’intelligence du personnage l’emporter sur ses émotions au point où son seul moment de libération brute vous déchirera.

Il se passe tellement de choses derrière les yeux de Lee que vous êtes conscient que Nora est transportée, prise dans les hypothèses d’une autre vie et attristée par la conscience de ce chemin inexploré occupant toujours un espace vide en elle. C’est une femme moderne qui sait exactement qui elle est, ambitieuse et maîtresse d’elle-même, alors quand elle s’abandonne à des sentiments de mélancolie, de désir existentiel, c’est profondément émouvant.

Song se révèle être une cinéaste à part entière avec ce premier film accompli. Elle montre une maîtrise visuelle à la hauteur de ses idées émotionnelles et philosophiques, un esprit agréablement discret et une compréhension du ton qui ne faiblit jamais, renforcées par les délicats synthés carillonnants d’une partition de Christopher Bear et Daniel Rossen, du groupe de rock indépendant Grizzly Bear. La fluidité avec laquelle le scénariste-réalisateur se déplace entre les époques et les lieux lointains est en effet impressionnante, avec l’aide inestimable du montage souple de Keith Fraase.

Pour un film dans lequel les personnages dansent souvent autour de leurs sentiments sans s’adresser directement à eux, Vies antérieures en dit long. Nous ne sommes qu’en janvier, mais il ne fait aucun doute que ce sera l’un des meilleurs films de l’année.


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